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Cultura e Spettacoli

“Memory of Love”, a Napoli la mostra di Sam Havatdoy: nella suggestiva Certosa e Museo di San Martino

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Da non perdere la mostra dell’artista Sam Havatdoy nella suggestiva Certosa e Museo di San Martino a Napoli diretto da Rita Pastorelli dal titolo “Memory of Love”, dal 19 ottobre al 20 novembre, un luogo assolutamente da visitare per chi è in visita nel capoluogo campano.

L’installazione è realizzata dal Polo Museale della Campania, diretto da Anna Imponente, in collaborazione con Piero Addis, Direzione Generale della Reggia di Monza.

Il percorso espositivo dell’artista di origine ungherese inizia nell’accogliere i “viaggiatori” nell’atrio della Certosa con uno dei simboli identicativi dell’Italia, la FIAT 500 d’epoca rivisitata con del merletto, elemento che Sam Havatdoy utilizza sempre in tutte le opere.

La location deputata dove accoglie l’installazione della Certosa e Museo di San Martino è la zona del Ninfeo nel luogo della “Passeggiata dei Monaci”, ossia il Desertum della Certosa, spazio deputato alla meditazione e alla preghiera, luogo che anche per l’artista racchiude un significato altamente simbolico.

Il “viaggiatore” farà un percorso esperenziale significativo nel visitare la Certosa e la mostra, perché sarà immerso in un viaggio nel tempo e vedrà dialogare linguaggi artistici distanti, ma vicini. Un’esperienza attraverso il patrimonio artistico-culturale risalente a tanti secoli fa per poi passare alle contaminazioni artistiche degli anni ’70 quando Sam Havatdoy si trasferì a New York per fare l’arredatore d’interni ed ebbe modo di confrontarsi con artisti del calibro di Andy Warhol e Jean- Michel Basquit , ma i visitatori avranno anche modo di vedere affrontare discorsi artistici rivolti verso il futuro.

I visitatori avranno la possibilità di vivere nello Space Specific la serie inedita DOORS composta da 14 porte aperte dipinte e rivestite con il merletto; nel ripercorrere attraverso le opere dell’artista i visitatori non solo hanno la possibilità di ammirare l’installazione, ma anche di compiere un atto performativo e completo, perché potranno attraversare le porte e viverle in maniera partecipativa rispecchiando appieno i nuovi concept dell’arte. L’intera esposizione si compie ripercorrendo attraverso 25 opere ospiti, tra dipinti e sculture, fruendo appieno la produzione di uno degli artisti più interessanti della scena newyorchese degli anni Settanta e Ottanta.

Un viaggio esperenziale nel visitare la Certosa e Museo davvero significativo di cui i lavori iniziarono nel ben lontano 1325, un’esperienza che arricchisce dal punto di vista culturale e spirituale grazie ai tesori custoditi all’interno del Polo Museale che i “viaggiatori” possono fruirne. Nel percorso si possono ammirare le carrozze, la sezione navale, i Presepi, le sculture di Giuseppe Sammartino autore del “Cristo Velato” e tante altre tantissime opere di notevole importanza. Un luogo scelto come Location per molti set cinematografici, un contesto adibito per secoli alla preghiera e alla meditazione che adesso con questa installazione si compie ulteriormente con essa un atto meditativo, facendo rivivere e rigenerare la zona Del Ninfeo della Certosa e Museo da uno degli artisti che fanno parte della scena internazionale contemporanea.

Un altro elemento che i fruitori incontreranno durante il percorso espositivo dell’artista è la scultura di PINOCCHIO, l’artista ha concentrato la sua attenzione su uno dei personaggi di fantasia della letteratura italiana uscito oltre i confini d’Italia. E’ molto presente nelle opere di Sam Havadtoy il forte legame oramai inscindibile con l’Italia che lui definisce “il mio paese di adozione”, il legame nacque quando nel 2008 si trasferì in una casa che affacciava sul Mediterraneo, e da allora la forte influenza dei colori del Bel Paese colpirono profondamente l’artista tanto che i suoi lavori da allora ebbero una trasformazione.

Sam Havatdoy è definito un artista nomade, un cittadino del mondo, infatti a soli vent’anni si trasferì nella Grande Mela dove conobbe John Lennon di cui divenne amico e Yoko Ono – e ne divenne compagno dopo la tragica scomparsa del musicista inglese – , nel 1992 aprì la Galéria 56 a Budapest dove ospitò opere di Andy Warhol, Keith Haring, Agnes Martin e Cindy Sherman.

Giuseppina Ercole

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“Pinocchio, il musical” torna in scena a San Cesareo

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Al teatro Auditorium “Giulanco” di San Cesareo, l’associazione ‘Marionette senza fili’, torna in scena solo dal 28 febbraio al 5 aprile (venerdì e sabato ore 21.00 e domenica alle ore 18.00) con il musical dell’annoPinocchio”, il grande capolavoro di Collodi, diretto e interpretato da Claudio Tagliacozzo, con le coreografie di Manuela Serpetti e le musiche dei Pooh.

Tradotto in oltre 240 lingue, Pinocchio è universalmente riconosciuto come uno dei simboli della cultura e della identità italiana nel mondo. Il personaggio di Pinocchio è infatti senza dubbio uno dei più famosi al mondo, nato dalla penna di Collodi e rappresentato in centinaia di forme artistiche, dalla letteratura ai film, dalla musica ai videogiochi, fino a dare il nome a un asteroide (Pinocchio 12927).

Lo spettacolo è adatto a tutta la famiglia: un musical che diverte e commuove, sorprende con effetti speciali, con canzoni e coreografie che restano nel cuore degli spettatori. Le emozioni accompagnano tutto lo spettacolo: dal suggestivo numero di apertura, quando, nel corso di un temporale, un fulmine abbatte un albero in scena, alla sorprendente nascita del burattino costruito dal legno di un pino. Questo musical è un esempio trascinante di family entertainment per bambini e adulti che si lasceranno incantare dalla poesia del teatrino di Mangiafuoco, dalle gag di Gatto e Volpe, dalla magia di Turchina che moltiplica Pinocchio nella scena degli specchi e dal ritmo esplosivo del paese dei Balocchi, fino poi al toccante finale. Spettacolari cambi scena, coloratissimi costumi e un grande cast danno vita ad oltre due ore di spettacolo dal ritmo travolgente, affrontando problematiche sempre attuali, come la diversità, la famiglia, il rapporto genitori-figli, l’amicizia e vi porterà ad accompagnare il burattino più famoso nell’impegnativo “viaggio” verso la crescita.

Una vera garanzia di successo, targata Marionette senza fili! Vi aspettiamo a teatro!

INGRESSO INTERO € 13,00
INGRESSO RIDOTTO € 9,00 (under 20 e over 65)
GRATUITO = under 5

Per le prenotazioni chiamare il numero 338.2523004

Oppure tramite sms o whatsapp un semplice messaggio indicando il giorno, un nome ed il numero dei  posti!

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Un “Killer per casa” al teatro Golden di Roma

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Fino al 23 febbraio sul palcoscenico del Teatro GoldenStefano Pesce e Giorgia Wurth sono protagonisti di “Killer per casa”,  un’atipica commedia romantico-noir. C’è un doppio tradimento, un raggiro economico e un omicidio da consumare. 

Saranno in scena, diretti da Massimo Natele, a fianco dei protagonisti, anche Paolo Gasparini e Patrizia Casagrande.

E tutto questo dà vita a una storia in cui il divertimento, la risata e la suspense vanno insieme a braccetto. 

Eleonora ha scelto un lavoro molto particolare non tanto per passione quanto per soldi, Ennio ha costruito una posizione con passione per arrivare anche a far soldi, Marco è il classico amico che fa rimpiangere i nemici, vista la sua propensione a sottrarre soldi.

Sono i nostri tre protagonisti. E questa è una storia che racconta di come, anche nelle situazioni più estreme, può sbocciare la complicità e che la vita, da nera, può diventare rosa.

Ennio è un giovane imprenditore e il giorno del suo matrimonio scopre che la Guardia di Finanza ha sequestrato i libri contabili delle sue aziende e messo i sigilli a tutto, conti correnti compresi.

L’amico di vecchia data Marco, che è anche il suo commercialista di fiducia, prova a tranquillizzarlo dicendogli che ci penserà lui a sbrogliare la matassa.

Nonostante le assicurazioni dell’amico, la situazione precipita ancora di più quando Ennio scopre in modo del tutto fortuito che la sua quasi sposa Paola lo tradisce proprio con Marco.

Distrutto dagli eventi, disperato, devastato, Ennio decide di suicidarsi, ma viene interrotto dalla nuova vicina di casa, Eleonora, che, nel più tradizionale degli schemi, gli chiede un po’ zucchero. Si è appena trasferita e si è dimenticata di comprarlo. Eleonora non tarda però a rivelarsi uno spietato

killer professionista. Di fronte alla signorile casa di Ennio c’è infatti un albergo di un certo rango e nella stanza al secondo piano, secondo le informazioni a sua disposizione, dovrà passare fra qualche giorno una persona speciale. Una persona che dovrà essere fatta fuori.

Da quel momento in poi si sviluppa una vicenda ricca di colpi di scena, di attese snervanti, di piani portati a compimento e di piani che invece saltano, in un tourbillon che vedrà più di un finale a sorpresa.

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Milano, Gallerie d’Italia: in mostra oltre 160 opere di Canova e Thorvaldsen

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MILANO – Le Gallerie d’Italia in piazza Scala, sede museale di Intesa Sanpaolo a Milano, presentano fino al 15 marzo 2020 la mostra Canova | Thorvaldsen.

La nascita della scultura moderna, a cura di Stefano Grandesso e Fernando Mazzocca. Ancora qualche settimana, quindi, per ammirare una mostra veramente rara. Realizzata in collaborazione con il Museo Statale Ermitage di San Pietroburgo e con il Museo Thorvaldsen di Copenaghen, l’esposizione è resa possibile grazie all’apporto di prestiti fondamentali concessi da musei e collezioni private italiani e stranieri, solo per citarne alcuni: la Biblioteca Apostolica Vaticana, le Gallerie degli Uffizi di Firenze, il J. Paul Getty Museum di Los Angeles, il Museo Nacional del Prado di Madrid, la Pinacoteca di Brera e la Pinacoteca della Veneranda Biblioteca Ambrosiana di Milano, il Metropolitan Museum di New York, le Gallerie Nazionali di Arte Antica di Roma, le Gallerie dell’Accademia di Venezia.

Un consistente nucleo di opere proviene inoltre dal Museo e Gypsotheca Antonio Canova di Possagno, promotore delle celebrazioni canoviane, che sono iniziate a luglio 2019 – a 200 anni dalla posa della prima pietra del Tempio di Possagno – e si concluderanno il 13 ottobre 2022, data che segna i due secoli dalla morte dell’artista.

La mostra propone il confronto, mai tentato prima, tra i due grandi protagonisti della scultura moderna in età neoclassica e romantica: l’italiano Antonio Canova (1757-1822) e il danese Bertel Thorvaldsen (1770-1844), i due “classici moderni” in grado di trasformare l’idea stessa della scultura e la sua tecnica, creando opere immortali, diventate popolari e riprodotte in tutto il mondo.

Il terreno su cui si affrontarono originariamente i due illustri maestri è stato il suolo romano, dove svolsero entrambi una buona parte della loro carriera: Canova giunse a Roma nel 1781 e vi morì nel 1822, mentre Thorvaldsen vi si insediò a partire dal 1797 per i successivi quarant’anni. Qui, i due artisti ingaggiarono una delle più note e produttive sfide su identici temi e soggetti che regaleranno all’arte alcuni capolavori: le figure della mitologia classica, come Amore e Psiche, Venere, Paride, Ebe,le Grazie, rappresentavano nell’immaginario comune l’incarnazione dei grandi temi universali della vita,come il breve percorso della giovinezza, l’incanto della bellezza, le lusinghe e le delusioni dell’amore.

Il plauso con cui vennero entrambi accolti dalla critica coeva è emblema di una civiltà che guardava all’antico,ma che aspirava nello stesso tempo alla modernità, dualità che seppero magistralmente interpretare e guidare: Canova era stato l’artista rivoluzionario, capace di garantire alla scultura un primato sulle altre arti, nel segno del confronto e del superamento dell’antico; Thorvaldsen, guardando all’opera e alla strategia del rivale, si era ispirato a un’idea della classicità più severa e austera, avviando una nuova stagione dell’arte nordica, ispirata alle civiltà mediterranee.

Entrambi avevano saputo emanciparsi dal vincolo che la committenza poneva tradizionalmente alla scultura a causa dei costi elevati del marmo o del bronzo, fondando grandi studi che avevano le dimensioni di complesse officine, con numerosi collaboratori e allievi: con le innovazioni tecniche introdotte da Canova e utilizzate su larga scala da Thorvaldsen – creazione di un modello in gesso prima della statua in marmo – lo scultore acquisiva infatti per la prima volta la libertà di esprimere nella statua, ideata senza commissione, la propria poetica.

Attraverso oltre 160 opere divise in diciassette sezioni la mostra documenta la straordinaria complessità delle creazioni di Canova e Thorvaldsen, destinate ad un collezionismo di alto profilo sia italiano sia internazionale, e l’enorme seguito che la loro scultura ebbe, proponendo continui confronti con gli altri artisti di ogni nazionalità.

  1. La prima sezione affronta il tema de L’immagine dell’artista. Gli autoritratti, con i lavori eseguiti dai due artisti in tre momenti: all’inizio della loro carriera, quando si erano ormai affermati, e quelli realizzati in maturità. Canova si è rappresentato sia come scultore che come pittore in una serie di dipinti. Thorvaldsen ci ha lasciato in alcuni disegni un’immagine più intima del suo volto dai lineamenti romantici. Ma i due ritratti ufficiali sono quelli in cui si sono raffigurati in due busti di carattere eroico, cioè di dimensioni maggiori del vero, all’antica: due ritratti autocelebrativi, proiettati in una dimensione senza tempo, ma animati anche da una grande carica introspettiva.
  2. Si prosegue con la sezione de Gli studi di Canova e di Thorvaldsen a Roma, con una serie di opere che rimandano alle vere e proprie officine in cui operavano i due maestri nel centro di Roma: in mostra i lavori che testimoniano come lo studio sia diventato per Canova e Thorvaldsen una sorta di museo dell’artista, dove esporre il proprio operato e i modelli in gesso da copiare.
    Le sezioni seguenti, dedicate ai ritratti, per lo più a quelli tributati ai due scultori, testimoniano un
    fenomeno che per numero e qualità non ha eguali nella storia dell’arte, giustificato dall’ammirazione di cui furono oggetto. Canova vi appare contemporaneamente come l’artista di fama universale e la personificazione dell’identità nazionale italiana. Thorvaldsen, il Fidia nordico, è il riferimento per la rinascita dell’arte germanica e nordica in generale.
  3. Nella terza sezione, La gloria di Canova, una serie di effigi, opere di Andrea Appiani, Giuseppe Bossi, Giovanni Ceccarini, Hugh Douglas Hamilton, Angelica Kauffmann, John Jackson, Giovanni Battista Lampi Junior, Thomas Lawrence, Ludovico Lipparini, hanno come soggetto Antonio Canova, immagini molto diverse tra loro che rivelano la grandezza dell’artista, a volte rappresentato accanto alle sue opere, e l’ammirazione nei suoi confronti. Emblematica è la statua monumentale, posta al centro di questa sezione, in cui Canova non appare in abiti moderni come negli altri ritratti, ma seduto e seminudo con un corpo atletico, con accanto la testa antica del cosiddetto Giove di Otricoli.
  4. Si prosegue con Ritratti in scena, che riunisce i ritratti di carattere celebrativo tra cui quelli dei due artisti in posa nei loro abiti cerimoniali (tre di Rudolph Suhrlandt e uno di Jacob Munch), ma anche le opere di François Xavier Fabre con Ugo Foscolo, Vittorio Alfieri, Antonio Canova identificati come le grandi glorie d’Italia; la Venere Italica e il ritratto di Maria Luigia d’Asburgo e il gesso per il Monumento a Vittorio Alfieri, tutti di Canova, segnano l’ultima grande stagione del ritratto allegorico come apoteosi all’antica.
  5. Una particolare attenzione è dedicata nella quinta sezione, Icone popolari. L’immagine moltiplicata dei capolavori, alla circolazione delle riproduzioni eseguite da altri artisti in tutti i materiali e tecniche, dalle riduzioni in bronzo alle incisioni. Un posto di rilievo viene accordato alle riduzioni in bronzo dorato usate come eccezionali pezzi d’arredo: mentre Desiderio Cesari ritrae con questa tecnica il maestro danese, viene esposto in mostra uno dei soggetti prediletti da Canova, un’Ebe eseguita dalla manifattura Strazza e Thomas, a confronto con quella eseguita su modello di Pietro Galli, da Thorvaldsen, da Wilhelm Hopfgarten e Benjamin Ludwig Jollage, di cui viene esposto anche Giasone con il vello d’oro. Concludono la sezione le litografie a soggetto religioso e ritratti in stile neoclassico di Michele Fanoli provenienti dalla Biblioteca Nazionale Braidense, che furono pubblicate e diffuse in tutto il mondo, testimoniando la vastità e la versatilità della produzione di Canova.
  6. Nella sesta sezione La gloria di Thorvaldsen, intorno all’effigie monumentale a figura intera dell’Autoritratto con la statua della Speranza, dove l’artista seppe far rivivere la misteriosa bellezza
    dell’arte greca di età arcaica, troviamo effigi che lo ritraggono o che riproducono le sue opere: l’immagine di Thorvaldsen divenne straordinariamente popolare, alimentando il mito dello scultore che, venuto dal Nord, si era fatto interprete di un ideale classico e mediterraneo di bellezza.
  7. Il primato della scultura e la celebrazione del genio si sofferma sulla fortuna che il genere scultoreo assunse grazie a Canova e Thorvaldsen, testimoniata sia sul piano illustrativo sia allegorico, su marmo e su tela. Le allegorie di derivazione classica sono state utilizzate per celebrare il potere delle arti ed in particolare della scultura come quella che più di tutte riesce a imitare e gareggiare con la Natura, creando figure tridimensionali capaci di vivere nello spazio. Non mancano i ritratti di Canova dove viene celebrato nelle solenni cerimonie officiate per la sua morte, vissuta come un lutto nazionale, e nei monumenti che lo ricorderanno come il genio universale. Anche Thorvaldsen, al suo ritorno a Copenaghen, fu festeggiato come un dio e gli fu dedicato un museo personale, onore mai prima di allora concesso ad un artista in vita.
  8. Nel grande salone centrale, attorno cui si impernia l’esposizione, Le Grazie e la danza, la sezione dedicata al sensazionale confronto, mai proposto prima, tra i due celeberrimi capolavori, i due gruppi marmorei de Le Grazie dove Canova e Thorvaldsen hanno espresso meglio il proprio ideale di bellezza. Al concetto di grazia come movimento, varietà e sentimento del gruppo di Canova proveniente dall’Ermitage, Thorvaldsen risponde ribadendo il suo ideale austero di casta semplicità con Le Grazie con Cupido, dal Thorvaldsens Museum. Queste due opere sono circondate da una coreografia di quattro figure in cui Canova, Thorvaldsen e un loro seguace, Gaetano Matteo Monti, hanno rappresentato il motivo della danza, grande novità perché tema mai affrontato prima in scultura.
  9. I ritratti come specchio di un’epoca ripercorre la vasta produzione ritrattistica in marmo di Canova e di Thorvaldsen, restituendo l’immagine dei personaggi più in vista del tempo, sovrani, aristocratici, collezionisti, artisti e letterati che vollero farsi immortalare in sembianze idealizzate. Nonostante l’idealizzazione, questi volti non appaiono freddi, ma animati da una straordinaria capacità di rendere la psicologia dei personaggi.
  10. Altra tematica cara ai due scultori si trova esemplificata nella sezione Venere e il trionfo della bellezza.Canova, Thorvaldsen e il loro seguace Mathieu Kessels sono messi a confronto nella rappresentazione di Venere, la dea dell’amore. Soprattutto Canova ha prediletto questo soggetto, rappresentando in diverse statue, leggermente diverse l’una dall’altra, il motivo di Venere che uscendo dal bagno cerca di coprirsi da sguardi indiscreti. Intendeva così rendere l’emozione che si prova ogni volta alla comparsa della bellezza. La dea di Canova appare più donna e quindi più sensuale rispetto a quella di Thorvaldsen che, nella sua nudità assoluta, rimane una divinità: una Venere vincitrice che, perfettamente immobile, esibisce trionfante il pomo della vittoria assegnatale nella celebre gara.
  11. L’undicesima sezione, Amor vincit omnia. La rappresentazione d’Amore, prende in esame uno dei temi più amati dalla scultura e dalla pittura tra Neoclassicismo e Romanticismo, ovvero quello di Amore o Cupido. Simbolo di grazia sensuale, bellezza intatta e innocente, con il corpo di un adolescente o di un bambino, la figura di Cupido offriva un’occasione di virtuosismo unica nella rappresentazione delle ali, che rendono queste immagini straordinariamente seducenti. Thorvaldsen e il suo seguace Wolff raffigurano Amore come una divinità vittoriosa e fiera del proprio trionfo, rendendo così la potenza di questo sentimento universale, dominante sulla vita e sul destino dell’uomo. Particolarmente apprezzati e richiesti sono stati i bassorilievi in cui Thorvaldsen ha saputo rendere con infinita grazia l’antico mito di Amore bambino consolato da Venere o come emblema, insieme a Bacco o Anacreonte, delle stagioni, dove la bellezza giovanile è indagata insieme alle risorse allegoriche del mito, a simboleggiare che c’è sempre un tempo per amare. Nell’Apollo che si incorona, esperimento giovanile di Canova eseguito nell’atelier di Roma nel 1781-82 e conservato oggi al Getty Museum di Los Angeles, e nell’Apollino riscoperto di recente, si ritrova più accentuata l’attenzione al movimento. In mostra anche le opere su tela di vari autori. Sulla scia di Cupido, si inseriscono le due sezioni interamente dedicate ai soggetti prediletti dai due scultori: la dodicesima ad Amore e Psiche e la tredicesima ad Ebe.
    La prima, Nel segno della grazia. Amore e Psiche, e la seconda, Figure in volo. Ebe coppiera degli dei; un capitolo a parte, I grandi mecenati. Napoleone e Sommariva, si sofferma sulla committenza dei due maestri: mecenati come Napoleone e la sua famiglia e il grande collezionista lombardo Giambattista Sommariva, che acquisì numerose statue di Canova ed ebbe da Thorvaldsen il suo capolavoro, Il trionfo di Alessandro in Babilonia, commissionato da Napoleone per il Quirinale ma poi eseguito per la villa di Tremezzo sul lago di Como. Grazie a Sommariva e ad altri committenti, entrambi gli artisti ebbero con Milano un rapporto privilegiato. Ritraendo Napoleone, Canova ha cercato di rendere il fascino dell’eroe, dell’uomo del destino, mentre Thorvaldsen ha divinizzato l’imperatore rappresentandolo come Giove con l’aquila. Sommariva è rappresentato nel magnifico ritratto di Prud’hon ispirato a quelli di grandi collezionisti inglesi che si erano fatti ritrarre da Batoni insieme alle statue antiche ammirate a Roma.
    Si prosegue sui temi cari a Thorvaldsen, con L’incanto dell’eterna giovinezza. Ganimede: il soggetto prediletto dal maestro, complementare a quello di Ebe, non è mai stato considerato da Canova. Il danese ne ha fatto l’immagine al maschile di una bellezza adolescenziale simbolo di eterna giovinezza, sperimentando diversi modi di rappresentarlo, influenzando i pittori e gli scultori contemporanei, come nel caso delle opere di Camillo Pacetti, presentate in mostra.
    L’eredità romantica. Il pastore errante riassume, con opere dedicate alla bellezza naturale e al carattere sentimentale dei soggetti arcadici e pastorali di Hippolyte Flandrin, John Gibson, Aleksandr Andreevic Ivanov e Bertel Thorvaldsen, l’eredità degli stilemi e dei modelli di universalità senza tempo del linguaggio di Canova e Thorvaldsen. Qui, alle sembianze più idealizzate di Ganimede, si sostituiscono quelle più naturali del Pastorello che nella versione della Manchester Art Gallery posa ancora sul suo piedistallo originale disegnato da Flaxman. Nel Fauno rappresentato dal migliore seguace di Thorvaldsen, Pietro Tenerani, seduce la verosimiglianza al vivo mentre suona una musica che sembra addolcire le sue membra. Allo stesso modo, il sonno conferisce un sentimento di malinconia alla figura abbandonata e sognante del pastore di Gibson. Lo stesso languore lo ritroviamo nel Giovane pastore dipinto da Flandrin, nostalgico di un’Arcadia perduta.
    Rientra nel percorso espositivo, concludendolo, la splendida serie di 13 bassorilievi in gesso di Canova permanentemente esposti alle Gallerie d’Italia e appartenenti alla collezione dell’Ottocento della Fondazione Cariplo. Essi immortalano scene mitiche e rappresentazioni di alcuni precetti della filosofia socratica.

Il catalogo della mostra è edito da Edizioni Gallerie d’Italia | Skira

INFORMAZIONI UTILI
Apertura al pubblico: 25 ottobre 2019 – 15 marzo 2020
Sede: Gallerie d’Italia – Piazza Scala – Piazza della Scala, 6 Milano
Orari: dalle 09.30 alle 19.30 (giovedì chiusura alle ore 22:30) – Chiuso lunedì.

Ingresso
Biglietto: intero 10 euro, ridotto 8 euro, ridotto speciale 5 euro. È prevista una riduzione reciproca con la mostra Canova. I volti ideali alla Galleria d’Arte Modena (GAM): il biglietto d’ingresso della prima mostra visitata dà diritto all’ingresso ridotto a 8 euro alla seconda esposizione.
Gratuità: convenzionati, scuole, minori di 18 anni e ogni prima domenica del mese. #canovamilano
Informazioni
numero verde 800 167619
info@gallerieditalia.com
www.gallerieditalia.com

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